Пабло Пикассо

Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грис), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист, и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

Эксперты назвали Пикассо самым «дорогим» художником — в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долл. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе Кристис за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Его полотна стоят на первом месте по «популярности» среди похитителей.

Биография

Детство и годы обучения

Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца — Руис и матери — Пикассо. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении — Па?бло Дие?го Хосе? Франси?ско де Па?ула Хуа?н Непомусе?но Мари?я де лос Реме?диос Сиприа?но де ла Санти?сима Тринида?д Ма?ртир Патри?сио Руи?с и Пика?ссо.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. В 8 лет он пишет свою первую серьёзную картину маслом, Пикадор, с которой он не расставался в течение всей жизни.

В 1891 году дон Хосе получает должность преподавателя рисования в Ла-Корунье, и юный Пабло вместе с семьёй переезжает на север Испании. Здесь он учится в местной школе искусств (1894—1895).

Потом семья переезжает в Барселону, и в 1895 год Пикассо поступает в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери — Picasso.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо.

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество «Els Quatre Gats», по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе пройдёт его первая выставка. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касахемасом и Жаиме Субартесом, которые впоследствии стали персонажами его полотен.

«Голубой» и «розовый» периоды

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901 г; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Кубизм

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы — обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

Русский балет

В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию. Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «…более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!» Дело дошло даже до потасовки. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур»…

Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада» (декорации и костюмы для «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919). Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.

Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой. 12 февраля 1918 года они заключают брак в русской церкви в Париже, свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб и Гийом Аполлинер. У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года).

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).

Сюрреализм

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

«Герни?ка» и пацифизм

В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фр?нко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герни?кa — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Герни?ку» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

После войны

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»).

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Некоторые из них («Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию статуарных портретов. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике, «Таинство Пикассо».

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не равны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин «Девушки на берегу Сены. По Курбе»,1950; «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955); «Менины. По Веласкесу» (1957); «Завтрак на траве. По Мане» (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходных картинах.

Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция) на своей вилле Notre-Dame-de-Vie. Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став одним из самых известных мастеров в искусстве XX века.

Награды

• Лауреат Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами» (1962).

Память

• Музей Пикассо был открыт в Барселоне. В 1960 году близкий друг и помощник Пикассо Хайме Сабартес и Гуаль принимает решение пожертвовать свою коллекцию работ Пикассо и организовать музей Пикассо в городе Барселона. 9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар (Berenguer de Aguilar) открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса». В настоящее время музей Пикассо (Museu Picasso) занимает пять особняков на улице Монткада-Мека, Беренгер-д’Агилар, Маури, Финестрес и Баро-де-Кастельет. В основе музея, открывшегося в 1968 году, была коллекция друга Пикассо Хайме Сабартеса. После смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу и в дополнении к огромному завещанию Сабартеса, в 1970 году отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков), 141 работу из керамики. Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
• В 1985 году музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). В 2003 году Музей Пикассо был открыт в его родном городе Малаге.
• Его роль в фильме Джеймса Айвори «Прожить жизнь с Пикассо» (1996) сыграл Энтони Хопкинс.

В филателии

• Почтовые марки СССР

• 1973 год

• 1981 год

Цитаты

• Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребенок.

• Если хочешь сохранить глянец на крыльях бабочки, не касайся их.

• Бог — такой же художник, как другие художники.

• И среди людей больше копий, чем оригиналов.

• Дайте мне музей, и я заполню его.

• Художественное течение побеждает только тогда, когда его берут на вооружение декораторы витрин.

• Художник — это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник — это человек, который продает то, что пишет.

• Хорошие художники копируют, великие художники воруют.

Интересные факты

В 2006 году владелец казино Стив Винн (Steve Wynn) согласился продать шедевр кубизма — картину Пикассо «Le R?ve» американскому миллиардеру и коллекционеру искусства Стивену Коэну. Винн купил картину в 1990-х за 48,4 миллиона долларов, а продать согласился за 139 миллионов. Однако сделка была отменена, так как Винн, который страдает заболеванием глаз и практически ничего не видит, неловко повернулся и проткнул холст локтем, назвав это «самым неуклюжим и глупым жестом в мире». Гостями Винна, наблюдавшими этот ставший знаменитым «жест», были американская телеведущая Барбара Уолтерс, сценаристка Нора Эфрон с мужем, писателем Ником Пиледжи, и коллекционер искусства Серж Сорокко с женой Татьяной Сорокко.

Периодизация

Перечень картин, написанных Пикассо, соответственно периодам его творчества.

Галерея

• Работы Пикассо

• Скульптура «Голова женщины»
  (Хальмстад, Швеция)